Trouvée sur le site du Lycée International (de Saint-Germain-en Laye, je suppose) de l'Académie de Versailles.

Elle est très bien faite ; je la recommande donc et remercie son auteur dont le nom n'apparaît pas.

Je crains de ne pas avoir le temps d'en faire une autre (qui ne serait pas forcément aussi bonne, d'ailleurs ... ;-) ). Alors autant, s' "inspirer" de celle-là ...

Apollinaire : Nuit rhénane

Introduction

Texte qui appartient aux 9 poèmes rassemblés sous le titre de Rhénanes ; poème qui sont inspirés par le séjour du poète en Allemagne (août 1901-août 1902), et plus particulièrement sur les bords du Rhin.

Apollinaire a découvert une source d’inspiration non seulement ds le Rhin et ses paysages, mais aussi ds les légendes germaniques (la Loreley, sirène du Rhin douée de pouvoirs enchanteurs ou maléfiques, ou les sept baigneuses du Rhin, et du romantisme allemand qui ont fait du Rhin un lieu de sortilèges – Heine- ).

Double aspect qui apparaît ds ce poème qui joue sur opposition entre réalité et légendes rhénanes.

Description (ne pas le dire ainsi, d’emblée, mais en tenir compte dans l’explication )

• Alexandrins
• 3 strophes + 1 vers
• Rimes abab cbcb dede d
• Remarque : sonnet, moins un vers
• Rimes qui ne respectent pas toujours alternance masculines/féminines (batelier/repliées ; mirent/mourir/rire) : Apollinaire garde toujours une part de liberté.
• Absence de ponctuation.

Titre : conjugue la nuit, espace du rêve et de l’irrationnel, moment favori des légendes fantastiques.

Rhénane renvoie au paysage du Rhin : poème sous le signe de la tension entre la réalité et la fable.

Composition : reflète la même tension :

• 1er qu : le poète happé dans l’atmosphère fantastique des légendes du Rhin.
• 2d quatrain : appel à une réalité quotidienne et rassurante.
• 3ème quatrain : victoire de la magie et du fantastique
• Dernier vers : retour au réel sur une image humoristique. Structure circulaire du verre au verre.

Registres : lyrique, fantastique et humoristique.

Ici, étude linéaire.

I- 1er quatrain : l’univers fascinant des légendes.

a)Le thème de l’ivresse

Il est présent :

• dans le lieu : sans doute une taverne au bord du Rhin
• Rhin célèbre aussi par vin blanc
• Lexique verre, vin, , renforcé par « plein »
• Vision vacillante et incertaine ; mouvement connoté par trembleur (et non tremblant : adj et non part présent, tremblement qui semble faire partie de l’essence même de ce vin), flamme, tordre, plus mouvement ondulatoire des longs cheveux.
• Impression de mouvement vibratoire renforcé par

• les sonorités : allitérations en v/f, et liquides l et r ;
• le rythme ternaire du 1er vers ; enjambements sur l’hémistiche aux vers 1, 2 et 4.

b)Une atmosphère de mystère

Elle est donnée :

• Par le moment : la nuit et sa lumière étrange : flamme, lune ; éclairage mystérieux ; mystère des nuits de pleine lune
• Chiffre magique sept
• Magie inquiétante

• des cheveux trop longs (un hémistiche entier pour les évoquer)
• de couleur étrange (lueurs macabres sous la blancheur de la lune, peuvent faire penser à des algues)
• de ce mouvement violent et dément , tordre.

• Impression de magie corroborée par le rythme lent

• longueur de l’alexandrin renforcée par le double enjambement (v 2-3-4), et nombreuses consonnes nasales et voyelles nasalisées : effet d'écho tout au long de la strophe.

• Lenteur renforcée par l ‘évocation de la « chanson lente »ds le vers 2,

c) Du réel à l’irréel

La strophe entière construite sur une mise en abyme.

• Le « je » de poète (mon verre) et sa parole (écoutez : s’adresse à un interlocuteur, mais lequel ? nous ?) s’efface pour donner la parole à un autre narrateur
• indéfini (un batelier) qui témoigne (raconte) d’un passé incertain : avoir vu (quand) .
• Le poème se met donc à l’écoute d’un autre poème, qui est lui même le discours d’une hallucination présentée comme une réalité.
• Etrange superposition du réel et de l’imaginaire née d’une ivresse nocturne.

II- 2ème strophe : l’univers rassurant du réel

a)Opposition entre les deux strophes

• femmes/filles
• cheveux longs et verts/ blondes aux nattes repliées : figure rassurante de la gretchen, figure d’ordre et de stabilité (regard immobile et nattes repliées)
• geste violent (tordre)/ danser une ronde, terme aux connotations folkloriques et enfantines
• mouvement vibratoire et incertain/ mvmt vertical (debout) et horizontalité rassurante du cercle (ronde)
• sonorités qui martèlent la danse : lourdeur et martèlement rassurant des dentales t et d ainsi que des occlusives p et b.
• rythme régulier des vers avec coupe à l’hémistiche.

b)Le sursaut du poète pour échapper à l’irrationnel

• mouvement de sursaut souligné par debout, ainsi que par la reprise de parole par le poète.
• Parole d’ailleurs injonctive : valeur injonctive du 1er mot debout, verbes à l’impératif, chantez, mettez, valeur injonctive du subj que je n’entende plus: sursaut et appel à l’aide, appel à la vie contre les forces de mort (chant et danse)
• Appel à un univers protecteur que dessine la figure du cercle (ronde) et « près de moi » plus hyperbole (toutes les filles) : désir de surpasser l’envoûtement par la force du quotidien : plus de filles que de femmes, chant « plus haut ».

c)Fragilité de cet appel

• Passivité du poète : parle mais n’agit pas (« mettez près de moi »)
• Regard immobile qui connote bêtise, sans grand attrait par rapport aux sept femmes entrevues.

III la victoire de l’irrationnel

a) Amplification cosmique de l’ivresse

Elle s’étend en effet à tout le paysage :

• du verre au Rhin ; il semble absorber toute l’ivresse potentiellement contenue ds les vignes. Ivresse rendue ds le 1er vers par rythme et sonorités :

• répétition « le Rhin » signe de fascination et d’ivresse (voit double, ou plutôt ne peut en détacher son regard, ou bégaie sous influence de l’ivresse) ;
• rythme : de nouveau enjambement à l’hémistiche aux vers 9 et 10
• sonorités : jeu d’écho sur le [R) [i] [v] renforcé par le chiasme sonore « le Rhin le Rhin est ivre où les vignes se mirent » : RRIV/ VIR ; ce chiasme donne une illustration sonore du jeu des reflets.

• En effet l’univers bascule dans l’irréel : ce n’est pas le paysage réel du Rhin et des vignobles qui est évoqué mais son reflet (se mirent, refléter).
• Passage aussi de la « flamme » à « l’or des nuits » ; superbe métaphore lumineuse qui fait écho au titre de l’opéra de Wagner L’Or du Rhin. Passage significatif aussi du sing nuit au pluriel, amplifié par l’adj « tout » : « tout l’or des nuits ».
• Reprise et amplification de l’idée de mouvement : « tombe en tremblant » : reprise de trembleur dans un immense mouvement de bascule, amplifié par allitération en [t] et le rythme trimètre de l’alexandrin (v 10).

c) Victoire du surnaturel

• Annoncée par le passage de la réalité à son reflet
• Disparition du batelier, qui appartenait à l’univers réel ; il n’en reste qu’une « voix » désincarnée ; chant lancinant et obsédant (toujours + force du présent)
• femmes sont devenues fées
• Chant devenu incantation, ie chant à force magique dont la puissance s’amplifie ds le temps : passage de la nuit à la saison (l’été)
• Rythme lent renforcé par enjambement 11-12
• Sonorités nasales et fricatives : force insinuante du chant ;
• Echec de l’appel aux forces de vie de la seconde strophe : triomphe de forces morbides

• annoncé par le vert des cheveux
• et repris ds l’expression « râle mourir » aux sonorités déplaisante ; force de l’invention de terme qui connote doublement douleur et mort ; idée de souffrance souligné par sonorités en [i] particulièrement fortes à la rime.

IV- lLe dernier vers : poésie et surnaturel

a)Victoire des forces de mort

• Eclatement du verre peut apparaître comme une victoire du maléfice, accomplissement du sortilège, qui s’empare du réel ;

• Tournure pronominale « s’est brisé » renforce le mystère.
• Verre qui était le premier élément de réalité évoqué ; réalité qui vole en éclats
• structure circulaire du poème, enfermé dans ce verre, montrerait impossibilité de sortir du maléfice ?

b)Une victoire sous le signe de la dérision

• Jeu de mots éclat de verre/éclat de rire ; comparaison fondée aussi sur bruit cristallin du verre qui se brise qui peut rappeler un rire léger. A moins qu’il ne s’agisse d’un rire maléfique. Néanmoins le poème se termine sur ce terme joyeux qui s’oppose fortement à « mourir » à la rime et semble en triompher…
• Verre brisé peut marquer aussi un retour au réel. En effet vision est née du verre et sans doute se brise avec lui : structure circulaire du poème qui l’enferme ds un mvmt d’ivresse. C’est le seul moment dramatique du poème.

c)Du verre au vers

• Poème qui peut s’interpréter comme jeu sur l’ambiguïté verre/vers/vert, et une métaphore sur la création poétique, un jeu et une réflexion sur la poésie.
• Le sonnet potentiel se brise d’ailleurs sur ce vers et ne se poursuit pas : le vers se brise
• Ivresse qui peut être métaphore de l’inspiration poétique qui puise davantage ds l’irrationnel et l’étrange et non ds des sources classiques (beauté classique des jeunes filles blondes ; opposition apollinien/dyonisiaque)
• Ivresse poétique créatrice d’images et de termes nouveaux

• La poésie nouvelle a une force incantatoire : elle est une force d’enchantement du monde, elle suscite une nouvelle vision du monde, supérieure à la pure évocation de la réalité.
• Il s’agit pour le poète de voir au-delà de la réalité (non pas le Rhin mais dans le Rhin). Cf Baudelaire : « Tu m’as donné ta boue et j’en ai fait de l’or » ; thème de l’or ici repris ; Cf « tous les mots que j’avais à dire se sont changés en étoiles » (les fiançailles).

• Notons que ce poème est un des premiers poèmes d’Apollinaire, qui se démarque de ses premiers poèmes d’inspiration symboliste.

Conclusion

• Poème de facture assez traditionnelle, qui combine le réel et l’imaginaire.
• Audace néanmoins ds l’invention verbale, le jeu des images et des combinaisons rythmiques et sonores.
• Poème qui peut être lu comme métaphore de la fonction poétique : l’inspiration doit être cherchée, au-delà de l’expérience du réel, dans la rupture avec les formes anciennes et une certaine ivresse créatrice.

Apollinaire, Alcools :

Lecture Analytique de l’extrait du poème « Les Fiançailles »

- Poème composée de 9 sections, dont les strophes ont pu changer d’ordre au cours de son élaboration. Si les 3 1ères strophes furent écrites en 1902, les autres datent de 1907-1908, période qui marque un retour à l’inspiration poétique, après un épisode stérile et douloureux consécutif de son 1er échec sentimental (avec Annie Playden).

Apollinaire y affirme son Art poétique ; ce qui rapproche ce poème de deux autres, composés vers la même époque : « Le Brasier » et « Poème lu au mariage d’André Salmon ». Et, contrairement à « La Chanson du Mal Aimé » et « Le Pont Mirabeau », il est moins question d’amour déçu ici (thème à peine évoqué ; plutôt secondaire) que de quête poétique. Celle-ci s’effectue en 3 étapes, que l’on peut qualifier d’initiatique : la perte, la quête, puis la (re)conquête.

Nous allons donc chercher à mieux comprendre, à travers les sections 3 à 5 qui constituent la partie centrale du poème, quelles figures du Poète et de la poésie sont présentes. Pour cela, nous verrons tout d’abord que la perte se traduit parr une mort symbolique qui, comme souvent chez Apollinaire, prend une dimension mystique, à la fois cosmique et divine. Puis nous nous intéresserons à la quête en elle-même, objet d’un bilan douloureux, mais traversé d’illuminations menant vers un souffle nouveau. Enfin, nous observerons la façon dont Apollinaire s’affirme en Poésie, rompant avec le passé pour accéder à une modernité assumée.

(NB : dans la suite de cette Lecture Analytique, j’appellerai strophes 1, 2 et 3 celles qui correspondent à notre extrait, et qui sont donc les strophes 3, 4 et 5 de l’ensemble du poème).

I / Une mort symbolique à dimension cosmique (et mystique)

1) Sous le signe de la mort (comme une perte de soi-même)

2) Une dimension cosmique

3) Et une dimension divine

II / Un bilan douloureux, mais illuminé

1) Regard tourné vers le passé

2) entre mort et renaissance

3) Des images empreintes de lumière

III / Vers une nouvelle poésie

1) Une feinte ignorance

2) La proclamation d’une poésie nouvelle

3) La création demande des sacrifices (= une douleur extrême qu’il s’agit de dépasser, sublimer)

I / Une mort symbolique à dimension cosmique (et mystique)

1) Sous le signe de la mort (comme une perte de soi-même)

- champ lexical de la mort très présent dans les 2 1ères strophes de notre passage ; directement : « les morts » (p 142, v 7), « cadavres » + « pourrissent » (p 143, vv 2 et 4), « mourir » (p 143, v 8)

- ou de façon + implicite : « fin du monde » (p 142, v 8) , « tourment de silence » (p 142 , v1) è pour le Poète, contribue à un vide, le comble de la perte, la mort des mots

- on pourrait aussi y voir la mort des émotions (cf v 1 p 142 ; comme en écho avec v 1 p 141 : « mépris » et absence de « pitié », d’estime envers soi-même peuvent être liés. Mais, dans la strophe 2, le poète « pleure » (p 143 v3) les jours passés, et eux-mêmes « ont pleuré avant de mourir » (p 143 v 8) è il s’agit donc de faire le deuil de son passé.

- Comme souvent chez Apollinaire, cette mort symbolique est associée à des figures mythiques : le Phoenix (p 142 v 5 « je brûle (etc) »), mais aussi ici Icare (v 4), mort d’avoir voulu approcher le Soleil de trop près. è mort et élévation, ne sont, curieusement, jamais très loin. La mort, pour Apollinaire, apparaît finalement comme une étape nécessaire vers la Transfiguration.

2) Une dimension cosmique

- Là encore, champ lexical très présent ds la strophe 1 : « étoiles » (v3 è fait écho au v2 de la p 141 « Je buvais à pleins verres les étoiles » et donc aussi au titre du recueil : Alcools è verre = vers => étoiles ; recueil = constellation d’étoile, qui peuvent guider et éclairer dans la nuit. Peut aussi faire penser au groupe de la Pléiade, poètes du XVIe siècle) ; « Icare » donc (v 4) ; « soleils » (à noter : au pluriel), « nébuleuses » (v 5). Le pluriel peut faire écho ici à l’idée de se multiplier, qu’on retrouve p 144, v 8 : souvent, chez Apollinaire, la mort n’est pas une fin en soi (p 142 , vv 8 et 9 : « fin du monde ») : elle transforme, par le biais d’une alchimie mystique è si le Corps disparaît, comme balayé par « un ouragan » (p 142 , v 9), l’Esprit, quant à lui, se disperse, se multiplie et se répand sur le monde, comme s’il le recouvrait tout entier, ou bien qu’il fusionnait avec lui.

Cette fusion métaphysique (= au-delà, au-dessus de ce qui est physique) peut déjà faire penser à une alliance, comme des fiançailles (ce qui, alors, rappelle bien sûr le titre-même de ce poème.

Alors Apollinaire se fait comme Apollon de l’air (Apollon-air, pour ceux qui n’auraient pas compris) et se transfigure donc en une divinité nouvelle.

3) Et une dimension divine

Les références à la divinité, liée donc à la fusion cosmique, apparaissent de façon plus discrète, dans cette 1ère strophe.

Déjà avec l’allusion à Icare qui, en voulant s’approcher trop près du Soleil (Apollon) s’est pris pou un dieu, transgressant un interdit, et l’a payé de sa vie.

Mais surtout parce qu’il est question de « bêtes théologales » (v 6), de « morts [qui] sont revenus » (v 7) et de « fin du monde » (v 8). Cela n’est pas sans rappeler l’Apocalypse, annonce de la fin du monde (ou plutôt d’un monde), mais aussi, de par son étymologie, Bonne Nouvelle è pour qu’un nouveau monde surgisse, il faut bien que l’ancien monde (dont on est « las » ; cf « Zone ») disparaisse. Contrairement à ce qu’on pourrait croire, donc, la fin du monde (porteuse d’angoisse dans nos sociétés modernes, tout imprégnées qu’elles sont encore d’un christianisme dont elles ne comprennent plus trop bien la signification profonde …) est aussi porteuse d’espoir (tout comme la promesse d’un Paradis, après la mort qui est elle-même l’objet de crainte …)

D’autre part, on peut remarquer que le « Je », présent depuis la strophe 2 du poème (entier), semble avoir changé d’identité : « m’adorer » (p 142 v 7) è c’est donc bien lui que les morts viennent « a-dorer » (on peut encore penser au Soleil) comme une divinité. C’est bien là le signe que le Poète s’est transfigurer en Dieu / prophète (annonçant la fin du monde), démiurge.

Ce qui peut s’expliquer aussi par le fait que Saint Jean est considéré comme l’auteur de L’Apocalypse, mais aussi de l’Evangile le plus célèbre (et sans doute le plus spirituel et le + important) qui commence par : « A l’origine était le verbe » è idée que Dieu a créé le Monde parce qu’il l’a nommé, par le langage. En employant les mots à sa façon, le Poète devient donc à son tour le Créateur, qui ré-invente le Monde par le pouvoir de son langage.

Tout se tient, donc.

Cependant, devenir Dieu / Sauveur du Monde n’est pas donné à tout le monde, et passe souvent par l’épreuve douloureuse de la mort …

II / Un bilan douloureux, mais illuminé

1) Regard tourné vers le passé

Dès le début de la strophe 2, le Poète annonce qu’il a eu le « courage » (= le cœur ; la volonté) de « regarder en arrière » : c’est donc un bilan qu’il s’impose.

Et lui qui dit n’avoir « plus même pitié de moi » (p 142, v 1) n’est pourtant pas exempt d’émotion (et, donc, de lyrisme) : il « pleure » (p 143 v 3) les « cadavres de mes jours » (p 143 v2) , est donc en proie au deuil de son passé ; et ses jours eux-mêmes « ont pleuré avant de mourir » (p 143 v 8).

Ce thème du temps qui passe, du passé qui s’éteint et qu’on déplore, apparaît souvent dans la poésie d’Apollinaire (cf « Le pont Mirabeau »). Mais on retrouve ici des termes présents à la fin de la « Chanson du Mal Aimé » : « tavernes » (p 143 v 8) pour « cafés gonflés de fumée dans la « Chanson » (p 43 v 46) , mais aussi « l’électricité » (p 143, v 11 ), symbole d’énergie et de lumière qui, elle aussi se diffuse, se répand, jusque dans les « soirs de Paris » è si le Poète noie son chagrin dans l’alcool (ou plutôt les alcools), il y puise aussi une énergie nouvelle, une source d’inspiration lumineuse. Le chemin de sa renaissance, en quelque sorte.

2) entre mort et renaissance

Les « cadavres des jours » « pourrissent » (p 143 v 4) avec la religion (« églises italiennes » v 4 aussi) , il en va autrement dans la nature : au milieu des « petits bois de citronniers », au contraire, ils « fleurissent et fructifient » (v 6) , donc, là encore, se multiplie è la mort, en pourrissant, se fait engrais et engendre une nouvelle forme de vie è allusion au cycle des saisons (fréquent en Poésie, surtout avec l’Automne, le Printemps et + particulièrement le moi de mai), mais qui semble ici devenir éternel (p 143 v 7 « En même temps et en toute saison »).

Cet thème de la nature se retrouve encore dans « ardents bouquets » (v 9) (qui peut faire également penser au buisson ardent de Moïse, qui lui transmet la parole divine et prophétique) et « jardin » (v 12), comme un jardin secret, intime, personnel (è lyrisme) , mais aussi une image du Paradis. Dans la strophe suivante, les « fleurs » (p 144 v 4) « redeviennent » (è c’est donc bien une renaissance) des « flammes », donc l’énergie dans laquelle le Poète (après une période stérile et silencieuse => cf p 142 v 2) va puiser à nouveau l’inspiration créatrice.

3) Des images empreintes de lumière

Comme on peut le constater, la chaleur, le feu, la lumière, sont liées à la nature (thème fréquent dans la poésie pour signifier la création poétique elle-même). Mais c’est plus particulièrement le cas encore dans la poésie d’Apollinaire.

« ardents bouquets » (p 143 v 9), « roses de l’électricité » (p 143 v 11) , « fleurs » qui deviennent « flammes » (p 143 v 4) semblent encore proches de l’imaginaire des peintres symbolistes (Gustave Moreau, Odilon Redon) qui ont souvent utiliser le jaune et l’or dans leur tableau, ou du peintre Gustav Klimt (je vous laisse aller voir), qui a composé ses plus célèbres œuvres au moment même où Apollinaire composait ses poèmes (voir plus particulièrement le baiser : de petites fleurs, dont certaines ressemblent à des étoiles dans la chevelure de la femme, se mêlent à l’or ; et les deux amoureux s’embrassent sur un tapis de petites fleurs, parsemé de boutons d’or ou de fleurs jaune s’en rapprochant) è finalement, qu’elle soit automnale ou estivale (à l’apogée de sa floraison sous le soleil), la Nature étincelle, resplendit, éclate elle-même en mille petits soleils. Tout comme les citronniers (p 143 v 5) qui eux-mêmes rappellent le(s) soleil(s), par leur forme et leur couleur.

C’est sans doute aussi la couleur qui est rappelé dans le verbe (néologisme ?...) « rouaient » (p 143 v 9), sans quoi on le comprendrait difficilement : à l’infinitif, le verbe « rouer » ne signifie que « rouer de coups » (il provient du supplice de la roue). Il fait donc jaillir le sang. Mais ici, c’est bien sûr, surtout la syllabe « rou » qui nous intéresse, et peut renvoyer à quelque chose d’ « ardent » (v 9).

De même, pourquoi évoquer une « mulâtresse » (v 10) ? (= femme née d’un parent blanc, tandis que l’autre est noir ; donc, « café au lait »). Pour faire une discrète référence à Baudelaire (qui, lui aussi « inventait la poésie »), dont Jeanne Duval, la plus célèbre de ses maîtresses, était justement une mulâtresse (et donc, sa principale Muse, ou égérie => femme aimée qui inspire le Poète) ? Ou juste pour sa couleur particulière ?...

III / Vers une nouvelle poésie

1) Une feinte ignorance

Au début de la strophe 3, Apollinaire semble implorer le pardon du lecteur, qu’il interpelle en employant l’impératif (p 144 v 1). Il fait état de son « ignorance » et précise, dans le vers suivant, qui débute de la même façon : « ne plus connaître l’ancien jeu des vers » (p 144 v 2) è « ne pas » et « ne plus » ne signifient pas la même chose !... = il a connu, mais il ne veut plus s’en souvenir.

Comme si le bilan de ses « jours passés » (« cadavres » « pourrissent ») et le « jardin de [s]a mémoire » (p 143 v 12) s’étaient dépouillés de cet héritage poétique encombrant è l’épreuve (de faire le deuil du passé), l’Iniation, conduit à ce dénuement, ce dépouillement : la Renaissance implique qu’on naisse à nouveau, nu, naïf, innocent comme l’enfant è « Je ne sais plus rien » (p 144 v 3)

- Fait écho, bien sûr, au 1er vers de « Zone » (qu’Apollinaire écrira plus tard mais qu’il a placé en ouverture de son recueil).

L’ignorance, ici, pourrait donc bien plutôt se percevoir comme un rejet volontaire, un « mépris » (cf v 1 p 141) è Le Poète maudit (par ses amis mêmes), mal aimé et incompris, est en quête de nouveauté et est parvenu au stade où il l’assume pleinement (« Je n’ai plus même pitié de moi » ; p 142 v 1 ; Remarque : on voit bie toute l’importance que prenne les 1ers vers de chaque section)

2) La proclamation d’une poésie nouvelle

- La Poésie n’est plus source de savoir, de techniques savamment employées (« Je ne sais plus rien »), mais d’émotions, de sensibilités, d’impulsion spontanée et exclusive (« j’aime uniquement »). Les « fleurs » de l’ancienne poésie reprenne toute leur vigueur et se font « flammes » ardentes (p 144 v 4) et permettent au poème d’accéder à un stade mystique, qui le rend à la fois Dieu et adorateur de ce Dieu (unique ? Jésus lui-même a d’ailleurs dit « Dieu est Amour ») : « Je médite divinement » (p 144 v 5) ; bien sûr, ici, l’adverbe de manière peut prendre deux sens è il renvoie à l’idée de Dieu, ou peut signifier « de façon sublime, extatique (c’est l’extase) »

En digne précurseur des surréalistes (qui ont pratiqué l’écriture, spontanée, parfois même sous hypnose, les cadavres exquis, le récit de leurs rêves enregistrés par écrit. Bref, exploré leur inconscient à travers toutes les expérience possibles, aussi bien individuelles que collectives. Freud et la psychanalyse sont passés par là…), il leur montre la voie (la voix ?...), après avoir longuement erré, cherché son chemin :

« Et je souris des êtres que je n’ai pas créés » (p 144 v 6) è comme s’il souriait des créatures qui échappent à leur Créateur, ou à son inconscient justement ; ou aussi, qu’il est ravi des créations venir « que je n’ai pas (encore) créés).

3) La création demande des sacrifices (= une douleur extrême qu’il s’agit de dépasser, sublimer)

Avant d’aboutir à un « ouvrage » que « j’admirerais » (p 144 v 9), après être passé par l’emploi du conditionnel « Mais si le temps venait » (v 7) ) è l’espoir est donc revenu, avec le temps à venir, contrairement au passé dont le deuil est achevé, le Poète est passé par une épreuve terrible : une véritable descente aux Enfers, évoquée juste avant le passage étudié (« Et sombre sombre fleuve » (p 141 v 15 è une fois de +, répétition d’un même terme et allusion au mythe d’Orphée, qui a dû franchir le Styx, fleuve des Enfers, et est descendu jusqu’aux Enfers pour y retrouvé l’être aimé (Eurydice), à nouveau espéré, mais, en fin de compte, à jamais perdu …).

Il a côtoyé les morts (« Les ombres qui passaient n’étaient jamais jolies » ; p 141 v 16), les cadavres des jours, les amours passés, les fantômes de sa vie et leurs impasses peut-être ? (celle du labyrinthe d’où s’est échappé Icare, avant de chuter de façon plus terrible), mais espère une « ombre enfin solide » (p 144 v 7), comme si ce qui lui avait échappé jusqu’alors allait un jour se (re)constituer, se réaliser, se concrétiser à travers son ouvrage, et « se multipli(er) en réalisant la diversité formelle de mon amour ».

Ici, l’amour correspond moins à la femme aimée qu’à la Poésie elle-même. Et cette diversité se ressent bien à travers ce Poème (vers libres, sans rimes, composition hétéroclite et étonnantes, en sections).

Tel le Phénix , oiseau (d’air et de) feu particulièrement apprécié par Apollinaire, il faut donc se brûler intensément, jusqu’à se consumer entièrement, se disperser (ou se multiplier) en cendres, pour renaître avec plus d’ardeur encore.

Descente aux Enfers, Ascension cosmique et divine, deuil et douleur, dépassement du mépris (des autres et de soi-même), « dérèglement de tous les sens » (Rimbaud).

Apollinaire semble être passé par tous les stades, tous les affres du sacrifices, comme pour mieux répondre au dernier poème

de Baudelaire à la fin des Fleurs du Mal , dans le poème « Le voyage » (qui renvoie donc au voyage final, autrement dit, à la mort) :

« Plonger au fond du gouffre, Enfer ou Ciel, qu'importe ?

Au fond de l'Inconnu pour trouver du nouveau ! »

En guise d’ouverture

En gras : tous les éléments de ce poème écrit pendant la guerre à sa nouvelle maîtresse, Louise de Coligny-Chatillon ; maîtresse éphémère, avec laquelle la relation n’a duré réellement qu’une semaine environ … mais à qui, sur le front, Apollinaire à écrit d’ardentes lettres-poème d’amour).

Si je mourais là-bas...

Si je mourais là-bas sur le front de l'armée
Tu pleurerais un jour ô Lou ma bien-aimée
Et puis mon souvenir s'éteindrait comme meurt
Un obus éclatant sur le front de l'armée
Un bel obus semblable aux mimosas en fleur

Et puis ce souvenir éclaté dans l'espace
Couvrirait de mon sang le monde tout entier
La mer les monts les vals et l'étoile qui passe
Les soleils merveilleux mûrissant dans l'espace
Comme font les fruits d'or * autour de Baratier [= citronniers]

Souvenir oublié vivant dans toutes choses
Je rougirais le bout de tes jolis seins roses
Je rougirais ta bouche et tes cheveux sanglants
Tu ne vieillirais point toutes ces belles choses
Rajeuniraient toujours pour leurs destins galants

Le fatal giclement de mon sang sur le monde
Donnerait au soleil plus de vive clarté
Aux fleurs plus de couleur plus de vitesse à l'onde
Un amour inouï descendrait sur le monde
L'amant serait plus fort dans ton corps écarté

Lou si je meurs là-bas souvenir qu'on oublie
- Souviens-t'en quelquefois aux instants de folie
De jeunesse et d'amour et d'éclatante ardeur -
Mon sang c'est la fontaine ardente du bonheur
Et sois la plus heureuse étant la plus jolie

Ô mon unique amour et ma grande folie

30 janv. 1915, Nîmes.

Guillaume Apollinaire - Poèmes à Lou

L’ILE DES ESCLAVES – LECTURE ANALYTIQUE : Début de la scène 1

Du début de la pièce à « le gourdin est dans la chaloupe » (p 23)

Si Le jeu de l’amour et du hasard est sans doute la pièce de Marivaux la plus connue, parmi ses pièces à caractère sentimental, L’ile des Esclaves est, quant à elle, au premier rang de ses « comédies philosophiques », auxquelles s’ajoutent d’autres pièces se déroulant elles aussi dans une île (comme pour mieux en souligner le caractère utopique …) : La Colonie (où les femmes ont le pouvoir … aïe aïe aïe), L’île de la Raison (où la sagesse finirait par l’emporter ; inimaginable …) et La Dispute (où l’on serait retourné aux premiers âges d’une Humanité idyllique … jusqu’à ce que la Coquette s’en mêle, et transforme ce paradis perdu en enfer promis …).

Alors que, dans la première pièce citée, c’est l’Amour (de sa naissance à son épanouissement total) qui est mis à l’épreuve, dans la seconde, ce sont les relations sociales, entre maîtres et valets des deux sexes, qui sont interrogées.

Dans une pièce assez courte (puisqu’elle ne se compose que d’un seul acte, long de 11 scènes), où l’on cherche aussi bien à divertir le spectateur qu’à le faire réfléchir, il va de soi que la scène d’exposition doit, en proportion, être assez rapide et aussi efficace que possible : il s’agit en effet d’informer clairement les spectateurs, mais aussi les personnages, de la situation présente, et de ce à quoi on peut s’attendre par la suite.

[Telle est la fonction du passage que nous allons lire, à présent]

[Lecture du passage]

Afin de mieux mettre en évidence en quoi le passage [dont nous venons de lire un extrait] est caractéristique d’une scène d’exposition [comme la question posée nous invitait à l’entreprendre] nous allons donc commencer par analyser la situation de cette scène, à travers le cadre spatio-temporel mis en place et le nom des personnages. Puis nous nous intéresserons plus spécifiquement à ces personnages, et aux relations qu’ils entretiennent, car celles-ci sont, d’emblée, liées à l’intrigue [comme nous le verrons => il faut savoir ménager un peu de suspens !...]. Pour finir, nous nous arrêterons sur le caractère hybride de cette pièce qui, dès le début, semble mêler plusieurs tons, plusieurs registres et, en fin de compte, plusieurs genres, même …

AUTREMENT DIT

(pour ceux et celles qui auraient encore du mal à tout comprendre …)

I / Situation, cadre spatio-temporel et noms personnages en présence

II / La relation entre ces personnages = un retournement de situation immédiat

III / Une pièce au caractère hybride : entre comique et tragique ?...

I / Cadre spatio-temporel et personnages en présence

- Situation initiale : l’échange (sous forme de dialogue) qui a lieu entre les deux personnages indique clairement ce qui vient de se produire (= juste avant que la pièce ne commence) :

« seuls échappés du naufrage » ( réplique 5) ; « tous nos amis ont péri » (idem)

« noyés dans la mer » (r 6) ; « notre vaisseau s’est brisé contre le rocher … » (r 7 => court disc diégétique permettant surtout d’informer le spectateur de la situation – que les pers en présence connaissent déjà, puisqu’ils en ont été les témoins directs … c’est donc bien à nous (indirectement – et artificiellement) que sont destinées ces « révélations »).

Nous verrons plus loin (partie II) que cette situation va évoluer rapidement, dès cette 1ère scène…

- Lieux : Le titre même de la pièce et la toute 1ère didascalie nous renvoient à un lieu typique : « l’île » ; si l’on en croit la 2nde indication scénique, le décor fournit une indication identique : « une mer et des rochers d’un côté » ( côté Jardin, sans doute ; mais aussi le côté sauvage, qui pourrait tout aussi bien correspondre au passé proche : les personnages, échoués sur l’île, sont venus de la mer, par bateau),

« et de l’autre quelques arbres et des maisons » ( côté Cour, probablement ; le côté civilisé, qui correspondrait au présent, au futur : les personnages se dirigent vers les maisons, pour y trouver refuge ; l’île est habité, par des êtres capables de construire des « maisons », ce qui est plutôt rassurant …)

De plus, dès la 3ème réplique, le terme d’ « île » est employé par Iphicrate. Ce même personnage précisera plus tard, mais assez vite*, qu’il s’agit de « L’île des Esclaves » (r 9)

( * comment peut-il le savoir si vite ? ils viennent tout juste d’arriver, dans des conditions difficiles, n’ont encore rencontré personne ; les panneaux indicateurs n’existaient pas encore … Quel élément du décor – puisqu’il ne peut s’agir que de cela – a permis à Iphicrate d’en tirer cette déduction ?...)

- Dans cette même réplique 9, juste avant en fait, la réflexion (nostalgique/désespérée) d’Iphicrate nous permet d’opposer « L’Ile des Esclaves » à « Athènes », son lieu d’origine.

Ce nom + celui de certains pers (Iphicrate, Euphrosine, Cléanthis) font davantage référence à la Grèce Antique qu’à la période contemporaine de Marivaux.

Se pose donc le problème du cadre temporel : à quelle époque situer l’action ? (NB : les costumes pourraient servir d’indication aux spectateurs modernes. Mais, à l’époque de Marivaux, tout comme au XVIIème siècle, on avait pour habitude de jouer avec des costumes « contemporains » ( = classiques), quelle que soit l’époque représentée …Ce n’est plus souvent le cas de nos jours).

La question est de taille, car selon sa réponse, le terme « esclave » n’est pas à comprendre de la même manière … au XVIIIème siècle : « esclave » = « nègre », originaire d’Afrique, envoyé en Amérique par le biais du commerce triangulaire (cf couverture POCKET Classiques) ; en Grèce Antique, le terme est alors l’équivalent du serviteur / valet du XVIIIème siècle [ce qui indique, tout de même, que les relations sociales entre dominant (dominus = maître de la maison) et dominé ( le domestique, l’employé de maison) ont évolué, en 23 siècles !... Chouette !]

L’onomastique ( = nom des personnages) vient confirmer l’idée que la scène se situe dans l’Antiquité [voir p 89 du dossier] : Iphicrate = « le pouvoir (crate) par la force (iphi) » ; Euphrosine : « joie et plaisir » (l’une des trois Grâces de l’Antiquité) [doit-on y voir la marque d’une ironie cinglante, de la part de Marivaux : la Grâce, ici, se transforme en Coquette ?...] ; Cléanthis : klé = « gloire, renommée » ; anthos = « fleur ».

[Nous verrons plus tard, en partie III, que les noms d’Arlequin et de Trivelin renvoient à une autre époque, une autre tradition théâtrale : celle de la commedia dell arte …]

Si tel est le cas, l’île dont il est question ici revêt alors un caractère proprement utopique : [voir détails dans le dossier ; not pp 193 et suivantes] ce « non-lieu » (u-topos) renvoie à une tradition littéraire qui puise ses sources chez Thomas More, au XVI ème siècle (pour le nom) et à Platon dans l’Antiquité ( pour le concept d’un lieu imaginaire dans lequel se constitue une société idéale. C’est Platon qui, le premier, semble-t-il, a évoqué l’Atlantide … éh oui … ce n’est pas Walt Disney !...)

• La question qui se pose alors est de savoir pourquoi Marivaux a préféré situer son action dans un lieu et un temps autres (et, pourrait-on dire, autant utopique qu’atemporel (= sans référence temporelle réelle/précise) ?

Sans doute afin de se donner toute la latitude possible pour critiquer les moeurs de son temps et pour s’amuser un peu, aussi, avec le spectateur, qui ne peut pas être dupe de la situation réelle … Pour mettre en évidence que l’Antiquité n’est ici qu’un prétexte, il suffit d’observer comment Iphicrate et Arlequin se comportent l’un envers l’autre

II / La relation entre les personnages = un retournement de situation immédiat

-La relation inégale qui lie les 2 protagonistes est établie dès les 2 1ères répliques de la pièce : Iphi désigne Arlequin par son prénom (et lui donne un ordre …), tandis qu’Arl lui répond par un adj possessif, certes, mais surtout en utilisant un substantif marquant que celui à qui il s’adresse lui est socialement supérieur => l’un n’a que son nom pour lui ; l’autre a sa fonction …

- Par contre, ds la réplique 3, c’est le pronom perso « nous » qui est utilisé => les ho redeviennent égaux face au péril ( r 5 : « nos amis ont péri » ; r 9 : « ne négligeons rien pour nous tirer d’ci. [mais tout de suite après] Si je ne me sauve, je suis perdu)

- Par ailleurs, on voit bien que les 2 hommes réagissent différemment face à la situation : Iphicrate très inquiet (cf didascalies : entrée en scène et 1ère réplique) ; Arl, quant à lui, adopte une position plus stoïque, ,non dénuée d’ironie sans doute (r 4 : « Nous deviendrons maigres, étiques, et puis morts de faim ») => peut lui importe, pourvu qu’il ne meure pas de soif !... : r8 : « reposons-nous auparavant pour boire un petit coup d’eau-de-vie. J’ai sauvé ma pauvre bouteille, la voilà ; j’en boirai les deux tiers, comme de raison, et puis je vous donnerai le reste. » [les proportions s’inverses …]

=> On constate qu’Arl sait se contenter du peu qu’il a (du moment qu’il a sa bouteille ..) tandis qu’Iphi, ayant l’habitude de posséder plus, a bien plus à, perdre.

Mais une autre raison / révélation vient encore changer la donne et nous permet de mieux comprendre encore la vive inquiétude du maître : la fin de la r 9 : « nous sommes dans l’île des Esclaves » et les explications qui s’ensuivent r 11 (=> dble énonciation : révélations utiles pour Arl comme pour les spectateurs [on peut remarquer là l’artifice : comment Iphi a pu savoir si rapidement qu’il était sur l’Ile des Esclaves ; c’est assez peu crédible, quand on y réfléchit]

En tout cas, cette révélation de la r 11 peut être considérer comme une 1ère péripétie : elle induit un renversement de situation entre les 2 pers (Arl > Iphi) et se traduit par un chgt de comportement immédiat d’Arl ( surtt à partir de la r 16 et jusqu’à la fin du passage => à détailler).

De même, Iphi, qui jusque-là donnait des ordres, se fait à présent plutôt suppliant : r 15 (« cela ne suffit-il pas pour me plaindre ? »); r 25 « je t’en prie » + phr interrogatives (rr 15,19 et 21)

III / Une pièce au caractère hybride : entre comique et tragique ?...

Extrait de La Princesse de Clèves de Mme de La Fayette

Présentation : On peut considérer La Princesse de Clèves comme l’un des tout premiers romans historiques (puisque l’auteur, Mme de La Fayette, le publie en 1768, mais que l’histoire est censée s’y dérouler dans les dernières années du règne d’Henri II, et plus précisément en 1558-1559), mais aussi l’un des premiers roman français moderne (pour la profondeur psychologique de son personnage éponyme, et l’analyse qui en est donnée.

En effet, ce qui distingue, avant tout Mlle de Chartres (future princesse de Clèves) des autres «belles personnes » de la cour (dont Catherine de Médicis, la 1ère dame de France alors), ce sont des qualités morales au-dessus de la normale ; vertus qu’elle doit à l’éducation que lui a donnée sa mère.

C’est pourquoi le portrait qui est fait de ce personnage, juste après avoir fait le portrait de Catherine de Médicis, prend une place capitale dans le récit : il nous présente un premier aspect de l’héroïne et de ses origines, tout en laissant entrevoir comment celle-ci va se comporter, au milieu de ce monde de la Cour, qui fourmille d’intrigues, d’apparats et d’amours superficiels.

Problématique : Pourquoi un double portrait (celui d’un personnage héroïque : Catherine de Médicis ; puis celui d’un personnage fictif : La Princesse de Clèves) ?

è Pour mieux mettre en valeur les vertus de l’héroïne, dans un monde (de la Cour) où règnent les intrigues (amoureuses et politiques)

I / Le portrait d’une femme d’État : Catherine de Médicis

1. Un éloge apparent
2. Des critiques sous-jacentes
3. Un personnage (historique) d’une intrigante : femme de cour et femme d’ État (= machiavélique)

II / Le portrait d’une femme parfaite ? : Mlle de Chartres

1. Une description physique (assez stéréotypée)
2. Une description morale (exemplaire)
3. Les principales différences qui apparaissent entre les deux portraits

III / L’importance de l’éducation

1. Des « peintures de l’amour » à ses dangers
2. Un éloge de la fidélité
3. Une vision du monde (plutôt dans l’esthétique classique) qui va à l’encontre de l’esthétique courtoise (et baroque, qui fait plutôt l’éloge de l’inconstance)

-- LECTURE ANALYTIQUE - extrait de La controverse de Valladolid

è Un débat d’idées propice à la délibération

I/ Au cœur du débat

II / Un dialogue éristique

III / Une remise en cause de l’ethnocentrisme

I/ Au cœur du débat

- dialogue : nombreux tirets ; vbs de parole (ll 3, 6, 10, etc …) ; qqs passages narratifs (ll 4-5 ; 26-27 ; 32 è pour préciser certaines attitudes (« saisit le 1er feuillet » (4-5) ) ou pensées ( « Tout cela ne le surprend pas » (32) )

- 3 personnages en présence : Sépulvéda (l 4) ; le prélat, légat du Pape (l. 3) et Las Casas (l. 10)

- Sépulvéda, philosophe (fait réf à Aristote ; l. 2), annonce la thèse qu’il va développer : l. 1 ; Las Casas la réfute (ll 10 sqq) ; le légat arbitre (ll 49-50), mais intervient aussi pour recentrer le débat (ll 23-25).

- Si chacun est censé prendre la parole tout à tour, l’échange est plutôt vif : bcp de « ! » ou de « ? » dans les répliques de Las Casas è émotion présente. (plutôt persuasif).

- Le discours de Sépulvéda est plus méthodique, organisé, énoncé froidement : « il a préparé tout un dossier » (4) ; « commence une lecture à voix plate » (26) è cherche plutôt à convaincre = laisse croire que ce qu’il dit relève d’une Vérité « indiscutable » (26-27)

II / Un dialogue éristique

- C’est Sépulvéda qui semble mener le débat : le 1er a énoncé sa thèse ; la dvp – Las Casas la réfute point par point è 2 avis totalement opposés qui, ici, se répondent « du tac au tac ».

- 1er argt de Sépulvéda : Inidiens copieurs è serviles. Las Casas répond par un contre-argument (faux prétexte d’envahisseurs), un exemple (César et la Gaule) [= déductif] et conclut par une analogie (« nous faisons de même » (15) )

- Sépulvéda en vient à énumérer tt ce qui est, selon lui, caractéristique des êtres inférieurs (ll 28-31 puis 33-36) : ignorent la technologie (28), travaillent et mangent comme des animaux (28-29), ont mauvais goût et sont hérétiques (30-31) ; innocents (33), polygames (33-35) ; manquent de bravoure (35) et ignorent la valeur de l’argent et de l’or (35-36) è causes certaines de stupidité, selon Sépulvéda (dossier à charge)

- Las Casas répond point par point : contre-arguments : inverse l’argt concernant le mépris de l’or (37-38), en fait autant pour la nourriture (40-41) , vante leur agriculture (45-46), explique pq ils n’utilisent pas d’animaux domestiques (46-47) et remet en cause la notion de goût (« grossier ») (48)

et contre-exemples (ex : « œufs de fourmi et tripes d’oiseau » (42) vs « tripes de porc et escargots » (43)

III / Une remise en cause de l’ethnocentrisme

- passage important : « attentif à cette argumentation nouvelle » (17) : ll. 19-20 (è rappelle le texte de Montaigne : la controverse lui est contemporaine …) + « ensorcelés » (19) = terme fort (pour un prélat)

- Las Casas remet +sieurs fois en cause l’ethnocentrisme (visée critique) à l’aide de questions : l. 38 ; l. 41 ; l. 48.

- Laisse même entendre que Sépulvéda peut lui aussi être ignorant sur certains points, et s’en amuse : « ne vous a-t-on pas appris » (45) ; « ignorez-vous que … » (47) è l’ignorance n’est pas d’un seul côté ; les valeurs ne sont pas les mêmes pour tous.

Paradoxe : dans ce débat, l’homme d’église se fait moins dogmatique que le philosophe. Il ne cherche pas à imposer sa Vérité, et ne fait pas de ses valeurs des lois universelles.